MARC

 008250123s2024        us                              c    eng  d
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■035    ▼a(MiAaPQ)AAI30993087
■040    ▼aMiAaPQ▼cMiAaPQ
■0820  ▼a780
■1001  ▼aBlasco  Esparza,  Mercedes.
■24510▼aIn  Power  /  Out  of  Control  Listening  to  the  Margins
■260    ▼a[Sl]▼bNew  York  University▼c2024
■260  1▼aAnn  Arbor▼bProQuest  Dissertations  &  Theses▼c2024
■300    ▼a241  p
■500    ▼aSource:  Dissertations  Abstracts  International,  Volume:  86-04,  Section:  A.
■500    ▼aAdvisor:  Oliver  La  Rosa,  Jaime.
■5021  ▼aThesis  (Ph.D.)--New  York  University,  2024.
■520    ▼aThis  dissertation  presents  the  work  of  a  group  of  women  in  the  contemporary  experimental  music  scene  who  are  modeling  necessary  alternative  uses  of  audio  technologies  that  challenge  decades  of  presumptions  around  musicking,  instrument  design,  and  the  sounds  produced  at  the  intersection  of  music  and  technology.Technology  arrives  in  our  hands  heavily  coded  with  our  culture's  social  structures  and  power  dynamics,  with  great  potential  to  reinforce  and  perpetuate  those  structures  as  they  are.  Film  cameras,  and  lighting  gear  work  better  on  light-skinned  subjects;  face-recognition  technology  fails  on  darker-skinned  and  female  faces;  early  radio  broadcasting  equipment  was  calibrated  to  cut  off  a  portion  of  the  female  voice  spectrum,  rendering  women's  voices  unintelligible;  and  the  physical  interfaces  of  most  digital  instruments  are  unsuited  to  non-normative  bodies.  These  are  just  some  examples  from  a  long  history  of  technological  redlining  that,  as  sociologist  Madeleine  Akrich  reminds  us,  not  only  establishes  relationships  among  people  and  technologies,  but  has  the  power  to  "generate  and  'naturalize'  new  forms  and  orders  of  causality  and,  indeed,  new  forms  of  knowledge  about  the  world."  By  intersecting  science  and  technology  studies  (STS),  histories  of  technology,  feminist  theory,  and  critical  race  studies  with  historical  examples  of  electronic  and  digital  instrument  design,  I  will  speculate  about  how  ideologies  of  control,  efficiency,  productivity,  ableness,  and  disembodiment  have  made  their  way  into  the  instrument  marketplace  for  decades,  determining  what  type  of  bodies  have  interacted  with  which  technologies,  and  shaping  the  sounds  they  have  generated.  There  is  an  urgent  need  to  reformulate  these  musical  tools  but,  unsurprisingly,  the  music  technology  industry  continues  to  lack  a  critical  organology  approach,  instead  remaining  primarily  concerned  with  profitability,  mass  production,  and  the  consumer  appetite  for  novelty.  Perhaps  more  surprisingly,  even  as  academic  institutions  are  increasingly  concerned  with  Diversity,  Equity,  and  Inclusion  (DEI),  we  find  that  these  institutions  operate  under  the  same  industrialized  spell;  the  mass-produced  musical  black-boxed  artifacts  filling  music  departments  contain  and  transmit  the  conscious  and  unconscious  biases  of  commercial  device  designers,  who  determine  their  affordances  and  constraints,  mediating  the  interactions  and  sounds  that  musicians  will  generate.  With  academic  studios  full  of  mixing  consoles,  computers  running  the  latest  DAWs  (Digital  Audio  Workstation),  MIDI  controllers,  and  VR  systems,  colleges  and  universities  seem  more  focused  on  keeping  pace  with  the  music  tech  race  than  in  challenging  overwhelming  orthodoxies  encoded  in  these  symbolic  devices.However,  against  this  seemingly  intractable  paradigm,  Pinch  and  Trocco  remind  us  that  users  can  develop  their  own  alternative  scripts,  transcending  the  limits  of  what  these  technologies  were  initially  designed  for.  The  artists  on  whom  I  have  centered  this  study  brilliantly  rewire  the  performative  capabilities  of  mass-produced  audio  devices,  breaking  open  the  black  boxes  to  exorcise  encoded  scripts  and  make  way  for  new  sounds,  and  new  stories,  to  emerge.At  its  core,  this  dissertation  will  explore  the  alternative  futures  that  emerge  from  the  work  of  artists  Pamela  Z,  Laetitia  Sonami,  Cathy  van  Eck,  Miya  Masaoka,  Bonnie  Jones,  Thessia  Machado,  and  Cecilia  Lopez.  These  composer/performer/instrument  builders  disrupt  industrialized  music  ideas  by  rebelling  against  philosophies  of  control,  precision,  and  mastery  in  technology.  Instead,  they  perform  stories  of  close  encounters,  collaboration,  embodiment,  failure,  chaos,  and  -  most  of  all  -  deep  listening  to  and  through  the  technological  assemblages  with  which  they  build  their  sonic  worlds.  Through  their  custom-built  gear  and  hacked  devices,  they  short-circuit  the  prevailing,  seemingly  neutral  technological  order  that  our  society  has  absorbed  and  naturalized.For  each  artist,  I  will  select  one  or  two  instruments  for  close  technological  and  musical  analysis,  examining  ontological  capacities  of  the  new  devices,  how  they  carry  their  own  creators'  philosophies,  and  their  socio-political  implications  in  the  musical  scene.  By  incorporating  theories  of  embodiment,  agency,  failure,  and  new  materialism  in  my  analysis,  I  seek  to  offer  an  alternative  approach  to  that  which  we  encounter  in  the  majority  of  NIME  (New  Interfaces  for  Musical  Expression)  literature,  which  tends  to  take  a  primarily  engineering/computer  science  approach  to  new  instruments,  focusing  on  controllability,  latency,  ergonomics,  pathways  to  expertise,  etc.My  study  of  the  selected  instruments  will  be  informed  by  my  interviews  with  each  artist,  probing  their  background,  the  origins  of  their  critical  making,  and  their  technological  education.  I  theorize  that  some  core  features  of  each  artist's  identity  and  technological  education  -  most  of  them  self-taught  and  infused  with  a  DIY  spirit  -  have  greatly  informed  their  need  to  redeploy,  reconceptualize,  and  re-create  technological  instruments.  By  delving  into  the  technological  education  and  outsider  spirit  of  these  artists,  I  also  seek  to  question  a  well-intentioned  but  perhaps  misguided  trend  in  multiple  academic  institutions,  which  attempts  to  expand  access  to  technological  tools  for  communities  that  have  traditionally  been  excluded  from  the  networks  where  such  tools  circulate:  these  educational  environments  seek  to  empower  marginalized  communities  by  instructing  them  in  sophisticated  music  gear.  However,  in  light  of  what  we  continue  to  discover  about  the  biases  scripted  into  such  tools,  it  is  not  clear  whether  cycles  of  inequity  can  be  interrupted  by  merely  expanding  access  to  the  tools,  without  totally  rethinking  the  processes  through  which  they  are  designed.  The  work  of  the  artists  in  my  study  illuminates  a  different,  perhaps  deeper,  approach  to  leveling  the  field  for  all  players.With  this  thesis,  I  want  to  circulate  these  artists'  stories  fairly  and  widely.  To  reach  a  broader  audience  inside  and  outside  the  academy,  I  plan  to  produce  in  parallel  with  my  written  text  a  series  of  video  portraits  of  each  artist.  Existing  anthologies  of  sound  artists  and  pioneers  in  electronics  feature  a  disproportionate  number  of  white  male  artists,  and  rarely  reference  the  work  of  the  women  I  present  in  this  dissertation.  Beyond  their  artistic  contributions,  which  in  and  of  themselves  would  be  worthy  of  a  musical  anthology,  these  creators  show  us  new  pathways  to  necessary  futures  of  audio  technology  that  include  more  diverse  bodies,  promote  exploration  and  collaboration  instead  of  power,  and  are  environmentally  more  sustainable.,  Researching  these  creators  is  showing  me  radical  new  methodologies  for  teaching  and  working  with  music  technologies  that  put  DEI  at  the  center  of  a  new  design  philosophy.  Although  cultural  change  is  always  incremental,  I  believe  the  principles  I  am  learning  from  this  research  can  be  applied  directly  to  curricula,  creating  ripples  that,  over  time,  will  bring  a  sea  change  in  demand  for  more  inclusive  audio  technologies  from  the  institutions  that  buy  them,  and  the  manufacturers  that  design  and  produce  them.
■590    ▼aSchool  code:  0146.
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■71020▼aNew  York  University▼bMusic.
■7730  ▼tDissertations  Abstracts  International▼g86-04A.
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■791    ▼aPh.D.
■792    ▼a2024
■793    ▼aEnglish
■85640▼uhttp://www.riss.kr/pdu/ddodLink.do?id=T17160287▼nKERIS▼z이  자료의  원문은  한국교육학술정보원에서  제공합니다.

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